DIVULGARTE - FILOMENA CASTRO ALVES / INVESTIGADORA E PROMOTORA DE ARTE E CULTURA CATALOGUES EXHIBITIONS TEXTS OF SELECTED PLASTIC ARTISTS.
DIVULGAÇÃO E VENDA DE ARTE, DESIGN E DECORAÇÃO DE INTERIORES - DESDE 1998
A Divulgarte promove e comercializa obras de artistas consagrados e emergentes, na área da Pintura, Escultura, Fotografia e Performance, Design de Jóias e Antiguidades devidamente certificadas
Pretende também proporcionar o acesso à cultura, através da apresentação de livros, contos, poesia, teatro e organização de pal
estras e workshops. Através deste novo projecto, e no seguimento do trabalho desenvolvido pela DIVULGARTE na promoção de artistas plásticos, aposta no SENTIR, levando as pessoas a vivenciarem momentos de cultura e lazer num ambiente rodeado de ARTE. ART RELEASE AND SELLING / DECORATION AND INTERIOR DESIGN - SINCE 1998
Divulgarte promotes and sells works of consecrated and emerging artists in the field of Painting, Sculpture, Photography, Performance, Jewelry Design and Antiques properly ceritfied. Also aims to provide access to culture through the presentation of books, short stories, poetry, theater and organizing conferences and workshops. Through this new project, and following the work done by DIVULGARTE in promoting artists, bet on FEEL, leading people to experience moments of culture and leisure in an environment surrounded by ART. INFORMAÇÕES PESSOAIS / PERSONAL INFORMATION
ACADÉMICAS / QUALIFICATIONS:
- Doutoramento em História da Arte , Universidade de Santiago de Compostela, Espanha, Bienio 95/97: grau de
Investigadora de Arte
PhD in Art History, University of Santiago de Compostela, Spain, 95/97 biennium: Art Researcher
- Licenciatura em Ciências Religiosas, Faculdade de Teologia. Universidade Católica, Porto -1993
Degree in Religious Studies, Faculty of Theology. Catholic University, Porto -1993
- Licenciatura em Ciências Históricas - História da Arte, Universidade Portucalense, Porto - 1987
Degree in Historical Sciences - Art History, Universidade Portucalense, Porto - 1987
PROFISSIONAIS / PROFISSIONALS :
EMPRESA EM NOME INDIVIDUAL: DIVULGARTE - ARTE E DESIGN DE INTERIORES
- Cargo: INVESTIGADORA E MARCHANT DE ARTE.
- Descrição: INVESTIGAÇÃO DE ARTE, ARQUITECTURA E DESIGN DE INTERIORES, ORGANIZAÇÃO DE EVENTOS DE ARTE. PERSONALCOMPANY: DIVULGARTE - ART AND INTERIOR DESIGN
- Role: MARCHANT AND ART RESEARCHER .
- Description: ART INVESTIGATION, ARCHITECTURE AND INTERIOR DESIGN, EVENTS ORGANIZATION. ENSINO / TEACHING:
- ESCOLA DE DESIGN E MINISTÉRIO DA EDUCAÇÃO
- Cargo: PROFESSORA
- Descrição: DISCIPLINAS DE HISTÓRIA, HISTÓRIA DA ARTE, HISTÓRIA DA ARQUITECTURA, HISTÓRIA DO CINEMA E DA FOTOGRAFIA E TEORIA DO DESIGN.
- DESIGN SCHOOL AND MINISTRY OF EDUCATION
- Role: TEACHER
- Description: SUBJECTS OF HISTORY, ART HISTORY, ARCHITECTURE HISTORY, CINEMA AND PHOTOGRAPHY HISTORY AND DESIGN THEORY. PUBLICAÇÕES / PUBLICATIONS:
- REVISTA INTERESARTE - CORUNHA - ESPANHA
- Cargo: ARTIGOS DE ARTE - COMPILAÇÃO
(ANOS - 1996 E 1997)
INTERESARTE MAGAZINE - Coruña - Spain
- Role: ART ARTICLES - COMPILATION
(YEARS - 1996 to 1997)
- REVISTA BOMBART
- Cargo: ARTIGOS DE ARTE - COMPILAÇÃO
- Descrição: A REVISTA BOMBART É UMA REVISTA DE ARTE ASSOCIADA ÀS GALERIAS DA RUA MIGUEL BOMBARDA, NO PORTO, E À BIENAL DE CERVEIRA. (ANOS 2009, 2010 E 2011)
- BOMBART MAGAZINE
- Role: ART ARTICLES - COMPILATION
- Description: THE BOMBART MAGAZINE LINKED ART GALLERIES OF MIGUEL BOMBARDA MIGUEL STREET, IN PORTO, AND CERVEIRA BIENNIAL. ( 2009, 2010 and 2011)
- TEXTOS PARA CATÁLOGOS DE EXPOSIÇÕES DE ALGUNS ARTISTAS PLÁSTICOS. PERCURSO DA DIVULGARTE / DIVULGARTE JOURNEY
- Comissária de Exposições de Pintura, Escultura e Fotografia, de vários artistas plásticos desde 1998
Commissioner of Painting, Sculpture and Photography Exhibition of several artists since 1998
- Decoração de vários apartamentos em colaboração com Madalena Macedo Pinto e o Kilo Americano desde 2001. Decoration of various apartments in collaboration with Madalena Macedo Pinto and American Kilo since 2001.
- Organização de exposições de pintura no Edifício Heliantia - Miramar, de 2003 a 2005. Organization of painting exhibitions in Heliantia Building - Miramar, 2003-2005.
- Colaborou desde Outubro de 2004 a Maio de 2008 com a Artefacto -Portugal no Design de Interiores e Decoração com Arte, assim como na organização de eventos culturais. Collaborated since October 2004 to May 2008 with the Artefacto -Portugal in Interior Design and Decoration with Art as well in the organization of cultural events.
- Colaborou com a Galeria das Antas desde Outubro de 2005 a Junho de 2008 na divulgação de vários artistas plásticos e designers de Jóias. Collaborated with the Galeria das Antas from October 2005 to June 2008 in spreading of various artists and jewelry designers.
- Colaborou com a Galeria Antiguidades de Serralves desde Novembro de 2006 a Dezembro de 2008 na organização de exposições de vários Artistas Plásticos e Designers de Jóias. Collaborated with the Serralves Antiques Gallery from November 2006 to December 2008 in the organization of exhibitions of various Visual Artists and Jewelry Designers.
- Colabora com a Arq.ª Maria da Paz Dias desde 2006, na colocação de obras de vários artistas plásticos no âmbito da Decoração de Interiores de casas particulares, apartamentos modelo, etc. Participaram, em parceria, na CASA PORTO - 2006. Têm realizado em conjunto o Design de Interiores de habitações privadas e de apartamentos modelo, tendo neste momento em carteira, os Apartamentos Modelo do Edificio Premier da Empresa Cilviria, no Porto, desde 2009. Collaborates with the Architect Maria da Paz Dias since 2006, in the placement of works by various artists in Interior decoration of private houses, model apartments, etc. Participated, in partnership, at CASA PORTO - 2006. Have jointly held the Interior Design of private dwellings and model apartments, and currently has in its portfolio, the Apartments of Model Building Premier Cilviria Company in Porto since 2009, well the decoration of a condominium belonging to a private bank, since April 2014.
- Colabora com o Designer de Interiores Miguel Laia desde Outubro de 2007 na decoração com obras de vários artistas plásticos no âmbito da Decoração de Interiores. Collaborates with the interior designer Miguel Laia since October 2007 in the decoration with works of several artists in Interior Decoration.
- Colabora com "Sophia Portocarrero Wallpapers" desde 2008 no âmbito da Decoração de Interiores. Collaborates with "Sofia Portocarrero Wallpapers " since 2008.
- Colabora com o Arq. Nuno Oliveira desde 2009 na decoração com obras de vários artistas plásticos no âmbito da Decoração de Interiores e na Organização de Eventos e Exposições de Arte. Collaborates with the architect Nuno Oliveira in decorating since 2009 with works of several artists in the Interior Design and Events and Art Exhibitions Organisation.
- Colabora com Carlos Martins - Dewpoint desde 2010 na remodelação de espaços ligados à Restauração. Collaborates with Carlos Martins - Dewpoint since 2010 in the remodeling of spaces linked to the Restoration.
- A Divulgarte , desenvolve desde Setembro de 2010, uma parceria com o Hotel Meliã de Braga para colocação de obras de arte em todo o hotel, mantendo deste modo, exposições permanentes, como prestando também apoio directo aos clientes que visitam o hotel e a sua galeria, na apresentação de Artistas Consagrados e Contemporâneos. Divulgarte, developed since September 2010, a partnership with the Hotel Meliá of Braga for placement of artwork throughout the hotel, thus maintaining permanent exhibitions, as well as providing direct support to customers who visit the hotel and its gallery in the presentation of Consecrated and Contemporary Artists.
- Desde 2010 a Divulgarte tem a resonsabilidade da decoração dos apartamentos modelo da Empresa Civilria, no Porto. Since 2010 the Divulgarte has the responsability of the decoration of the model apartments in Civilria Company in Porto.
- Decoração de um Restaurante Gourmet na Rua Conde de Vizela, Porto, 2014
- Decoração de um Hostel na Rua Conde de Vizela, Porto, 2014.
- A DIVULGARTE tem desenvolvido, também, trabalhos de Design de Interiores e venda de Arte directamente com a sua carteira de clientes. DIVULGARTE has also done work for Interior Design and sale of Art directly with its portfolio of clients.
MUNICÍPIO DE BRAGANÇA - PROGRAMA CULTURAL DE JULHO 24
🗓 𝗔𝗴𝗲𝗻𝗱𝗮 𝗖𝘂𝗹𝘁𝘂𝗿𝗮𝗹 𝗱𝗲 𝗕𝗿𝗮𝗴𝗮𝗻𝗰̧𝗮 🗓
Já se encontra disponível para consulta a Agenda Cultural relativa ao mês de Julho.
📌 Consulte aqui: https://bit.ly/4cqIo9y
ATTITUDE - THE BEST INTERIOR DESIGN MAGAZINE
The EMOTION issue will be on the newsstands tomorrow.
We embark on this edition together, hand in hand on a journey that reveals itself as an eruption of open-minded discoveries. Among probing thoughts that invade our intellect, we enter a cosmic multiplicity that welcomes, provokes and frees our imagination in creative and inspiring spaces.
Emotion offers us an invitation to tune in to what gives us the most pleasure, awakening chimerical sensations and evoking the senses — smells, tastes, touches of breezes floating by, the twittering going on around us, or endless views that transcend the dimension in which we find ourselves.
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A edição EMOTION estará nas bancas amanhã.
Embarcamos juntos nesta edição, de mãos dadas para uma viagem que se desvenda como uma erupção de descobertas de espírito aberto. Entre pensamentos interpelados que nos invadem o intelecto, entramos numa multiplicidade cósmica que acolhe, provoca e nos faz libertar a imaginação por territórios criativos e inspiradores.
Emotion revela-se um convite para nos sintonizarmos com aquilo que mais prazer nos dá, despertando sensações quiméricas e evocando os sentidos — cheiros, sabores, toques de brisas que esvoaçam, chilreares que nos rodeiam, vistas sem fim que transcendem a dimensão onde nos encontramos.
SISI MUSEUM - HOFBURG VIENNA
Did you know that Sisi wrote poems in which she criticized the strict court etiquette, enjoyed
eating ice cream for desert and painted beautiful pictures as a child? 🖌️
At the Sisi Museum inside the Hofburg, you can discover many of these lesser-known facets of
the legendary empress. Immerse yourself in her world and experience Elisabeth in a whole new way. 🪭
💜
📷 © SKB / Frank Burchert
AMADEO MODIGLIANI
"When I know your soul, I will paint your eyes." —Amedeo Modigliani
Despite Modigliani's exceptional talent, his work only found a market after his death in 1920, which was hastened by tuberculosis and his legendary bohemian lifestyle. Within a limited range of subjects, mainly portraits and nudes, he developed a highly distinctive style of sensitively elongated forms.
This double portrait is one of only three in the artist’s oeuvre and, according to Lipchitz, took two days to paint. However, he persuaded Modigliani to work on the portrait for another two weeks in an effort to provide more financial assistance to the artist.
See "Jacques and Berthe Lipchitz" (1916) by Modigliani on view in Gallery 391.
"When I know your soul, I will paint your eyes." —Amedeo Modigliani
Despite Modigliani's exceptional talent, his work only found a market after his death in 1920, which was hastened by tuberculosis and his legendary bohemian lifestyle. Within a limited range of subjects, mainly portraits and nudes, he developed a highly distinctive style of sensitively elongated forms.
This double portrait is one of only three in the artist’s oeuvre and, according to Lipchitz, took two days to paint. However, he persuaded Modigliani to work on the portrait for another two weeks in an effort to provide more financial assistance to the artist.
See "Jacques and Berthe Lipchitz" (1916) by Modigliani on view in Gallery 391.
ART BASEL 2024
is off to the races 🐎
We welcomed our first visitors into Hall 2 today, where they discovered over 250 gallery presentations from around the globe.
Don’t miss out – get your tickets before the public opening this Thursday, June 13: https://bit.ly/3Rrqjj9
BOCA DO LOBO
THE LUXURY OF PORTUGUESE INTERIOR DESIGN
Step inside the majestic mansions of Paris. ✨ Explore stunning architecture, opulent interiors, and timeless elegance that define Parisian luxury.
ROY LIECHTENSTEIN
Roy Lichtenstein - On his 100th birthday.
Discover more than 90 paintings, sculptures and graphics by pop art pioneer Roy Lichtenstein.
The exhibition can be seen at ALBERTINA until July 14, 2024.
PURE PORTUGUESE DESIGN
Elevate your living room with luxurious inspiration. Immerse yourself in exquisite design, where every detail exudes sophistication and elegance. Transform your space into a haven of opulence. ✨
Find more interior projects Boca do Lobo Collection
GREAT ARTISTS - FRANCIS BACON
Francis Bacon (28 de Outubro de 1909 - 28 de Abril de 1992) foi um pintor anglo-irlandês de pintura figurativa. Foi descendente colateral de Francis Bacon, filósofo do Período Elisabetano. O seu trabalho é mais conhecido como audaz, austero, e frequentemente grotesco ou imagem de pesadelo.
Este artista irlandês de nascimento, tratou com uma extraordinária complacência alguns temas que continuam a chocar a nossa vida em grupo. As fantasias masoquistas, a pedofilia, o desmembramento de corpos, a violência masculina ligada à tensão homoerótica, as práticas de dissecação forense, a atracção pela representação do corpo (um especial fascínio pelos fluidos naturais: sangue, bílis, urina, es***ma, etc.) e, no geral, com tudo o que está directamente ligado à transgressão seja relacionada com o s**o, a religião (são paradigmáticos os seus retratos do Papa Inocêncio X que efectuou a partir da obra de Diego Velázquez) ou qualquer tabu, foram as peças com as quais Bacon construiu a sua visão "modernista" do mundo.
Nasceu em 28 de Outubro de 1909, em Dublin e sofria de asma. Esta debilidade irritava seu pai, um homem rude e violento, que o costumava chicotear para o "fazer homem". Devido a isto Bacon criou um comportamento de oposição a seu pai. Uma infância difícil, que sempre o influenciou na sua arte e lhe inspirou um certo desdém por essa Irlanda de sua infância, tal como Oscar Wilde e James Joyce.
A sua primeira exposição individual na Lefevre Gallery, em 1945, provocou um choque e não foi bem recebida. Toda a gente estava farta de guerra e de horrores, só se falava da "construção da paz" e as imagens de entranhas dos quadros de Bacon, com os seus tons sanguíneos, provocaram mais repulsa do que admiração.
Como homem do seu tempo, Bacon transmitiu a ideia de que o ser humano, ao conquistar e fazer uso da sua própria liberdade, também liberta a besta que existe dentro de si. Pouca diferença faz dos animais irracionais, tanto na vida - ao levar a cabo as funções essenciais da existência como o s**o ou a defecação - como na solidão da morte; representando o homem como um pedaço de carne.
A sua obra esteve em exposição, em Serralves, na cidade do Porto, Portugal, em 2003.
Francis Bacon
Self-Portrait
PRIMEIRA CASA PORTUGUESA IMPRESSA EM 3D
Primeira casa portuguesa impressa em 3D vai ser construída a meia hora de Lisboa
A empresa consegue produzir 45 metros quadrados de paredes em 20 horas. Os preços começam nos 400 mil euros.
Vai poder viver numa casa assim.
Há poucos anos ainda poderia parecer uma ideia saída de um filme de ficção-científ**a. Quando o engenheiro norte-americano Chuck Hall criou uma máquina para prototipar produtos rapidamente, em 1984, ninguém pensou que a tecnologia continuaria a evoluir até permitir criar uma habitação inteira em tempos recorde.
A verdade é que já vimos esta realidade lá fora e, agora, vai chegar ao nosso País. A primeira casa portuguesa criada com recurso a uma impressora 3D está a ser construída em Portela da Villa, em Torres Vedras, pela Litehaus. A empresa quer usar a tecnologia para produzir até 45 metros quadrados de paredes em apenas 20 horas — e chegar às 100 casas por ano.
“Vivo em Portugal há seis anos e fiz uma série de projetos imobiliários de luxo. É uma paixão minha porque venho de uma família no setor, mas queria algo mais inovador e sustentável”, conta à NiT a gestora Simi Launay. “Tenho interesse na habitação acessível, comecei a pesquisar formas de otimizar um terreno.”
Uma das grandes vantagens das casas impressas em 3D e modulares está na relação entre a velocidade de construção e o custo por metro quadrado. O objetivo é construir residências “70 por cento mais rápido e 20 por cento mais baratas”, ao mesmo que contribuem para redução das emissões e um menor consumo de energia no seu fabrico.
“Outra mais-valia é o design, porque é possível ter construções mais interessantes do ponto de vista arquitetónico, devido à forma como se imprime as paredes”, sublinha. “Queremos erguer residências que simbolizam a elegância e o minimalismo harmonizados com a beleza de Portugal.”
Para criar a primeira unidade residencial, o processo começou pelo recurso a tecnologias, como a inteligência artificial, para renderizar a imagem. Do ponto de vista técnico, as fundações para a impressão 3D “são as mesmas para qualquer casa”, refere. “É preciso ter um terreno e uma base sólida para fazer a obra.”
“Depois, temos uma máquina de impressão 3D visível que imprime de forma quase instantânea os elementos”, acrescenta. Atualmente, as estruturas em 3D da Litehaus são construídas numa fábrica em Valência, em Espanha, enquanto a estrutura modular vem de uma fábrica no norte de Portugal. O objetivo é concentrar tudo no nosso País até ao final do ano.
A nível dos materiais, as escolhas são muito semelhantes às de uma moradia tradicional. As paredes são feitas com um cimento oriundo de França, escolhido especif**amente por implicar uma pegada carbónica menor, e exige uma preocupação com um isolamento térmico superior à média devido ao uso de capoto.
A localização do projeto-piloto foi uma escolha estratégica. “Fica a 40 minutos do centro de Lisboa, que se tornou densamente povoada. Durante a pandemia, vimos um fenómeno de pessoas a quererem mudar-se de apartamentos para casas na periferia e Torres Vedras está a desenvolver-se, tem boas comunidades e a qualidade do ar é fantástica”, frisa.
Contudo, explica Simi, está prevista a construção de um complexo com 13 casas na mesma cidade, seguindo os mesmos moldes. Os preços vão variar entre os 400 e os 700 mil euros, consoante a tipologia escolhida — vão de T1 a T4, sendo que as casas com um só piso podem f**ar abaixo destes valores.
A previsão da Litehaus é que a primeira casa em 3D fique concluída no segundo semestre deste ano. Porém, a equipa já está “a explorar oportunidades no que toca a identif**ar terrenos em todo o País”, como no Algarve, no Porto ou em Melides. “Estamos a trabalhar com proprietários de terrenos para parcerias em terrenos que podem chegar aos 100 hectares”, conclui.
YAYOI KUSAMA NO MUSEU DE SERRALVES - PORTO
Japonesa Yayoi Kusama vem ao Porto e o resto é revolução
Museu de Serralves recebe a sua programação anual “mais ambiciosa de sempre”, anuncia a administradora Ana Pinho.
Exposições de Francis Alys e Stan Douglas estão na festa de 2024. Casa Manoel de Oliveira acolherá exposição dedicada a Jean-Luc Godard.
Durante quase 70 anos, a artista japonesa Yayoi Kusama desenvolveu uma prática que partilha afiliação com o Surrealismo, o Minimalismo, a Abstração e a Pop Art – mas que não pode ser confinada a movimentos específicos. Talvez por isso mesmo, o facto de inaugurar uma exposição no Museu de Serralves, no Porto, em março, eclipse toda a restante programação anual da instituição.
Yayoi Kusama tem 95 anos e nasceu numa zona rural do Japão, numa família de comerciantes que se opunha visceralmente à sua prática artística. O seu motivo visual construído por padrões circulares e quartos infinitos de grandes dimensões, com um pendor quase hipnótico, conseguiram unir várias gerações. Nos seus campos infinitos de bolinhas, consegue provocar um efeito de “auto-obliteração”, uma repetição das alucinações que dizia ter na primeira infância.
No Museu que cumpre este ano 25 anos, e no Parque de Serralves, a temática daqueles padrões ocupará o espaço de março a outubro deste ano. São mais de 200 obras balizadas de 1945 até à atualidade.
Mas nem só de Kusama se faz o cartaz anual dos 35 anos de Serralves e dos 25 anos do Museu: “É a programação mais ambiciosa de sempre”, qualificou Ana Pinho, presidente do conselho de administração.
Nem tudo é Kusama
Já em fevereiro inauguram-se duas novas exposições : “Anagramas improváveis” e “C.A.S.A.”, na nova Ala Álvaro Siza, em torno dos projetos do arquiteto que ganhou um Pritzker em 1992.
Por Serralves passarão ainda este ano exposições do belga Francis Alys, “a primeira na Europa em 15 anos, que será organizado com o Barbican Center, em Londres, e que versa a noção de jogo”, como detalhou Philippe Vergne, diretor da instituição.
O canadiano Stan Douglas colmata a programação que obedece ao signo da Revolução, a reboque dos 50 anos de abril e apresenta uma mostra com “momentos históricos de protestos globais”, diz Vergne.
Na representação nacional está Francisco Tropa, “um mix de Marcel Duchamp e Roland Barthes”, e também jovens valores, como é o caso de Sara Bichão.
Visitas anuais aumentam
Neste ano de efemérides, o Museu como Performance cumpre 10 anos. As artes performativas terão, entre outros apetitosos convidados, um ciclo dedicado a Teresa da Silva, bem como participações de Vera Mantero, Jefta van Dinther e Thais Campos. Mais: a Casa Manoel de Oliveira acolherá uma importante exposição dedicada a Jean-Luc Godard. Mais ainda: a Casa publicará o, prometido há anos, “catalogue raisonée” de Oliveira, uma parceria com a Cinemateca Portuguesa, revelou António Preto, diretor da Casa do Cinema Manoel de Oliveira.
2023 foi o ano em que Serralves bateu o recorde de visitantes, atingindo 150 mil, valor superior a 2019. Também entre 2016 e 2023, “aumentámos de forma muitíssimo considerável as obras da coleção”, no valor de 79 milhões de euros, revelou Ana Pinho.
2024 assinalará ainda o regresso das instalações noturnas nos jardins do Parque “Serralves em Luz”.
10 YEARS AGO
A DIVULGARTE - FILOMENA CASTRO ALVES NO DIÁRIO ECONÓMICO 17/01/2014
Reportagem na edição de hoje do Diário Económico
A arte em Portugal, as galerias, os investidores, as cotações de mercado, a internacionalização, os artistas emergentes.
Filomena Castro Alves, "marchand" independente, faz a ligação entre artistas ou donos de obras de arte que querem vender, e a dos apreciadores ou investidores que querem comprar.
ATTITUDE - THE BEST INTRIOR DESIGN MAGAZINE
CLÉRIGOS, PORTO
NADIR AFONSO, Desenho.
Clérigos, desenho de Nadir Afonso.
MARCOS ROTHKO
O PINTOR DE TODOS OS SILÊNCIOS NA FUNDAÇÃO LOUIS VUITTON
A Fundação Louis Vuitton apresenta, até 2 de abril de 2024, a maior retrospetiva de sempre do artista.
Mark Rothko (LV, 1903-1970) dizia, quando questionado sobre as suas pinturas, que “o silêncio é o mais acertado”, temendo que as palavras paralisassem e condicionassem a mente e a imaginação dos espectadores. Rothko, que recusava todos os títulos ou gavetas em que a crítica gostava de o colocar, acreditava que uma imagem abstrata representa diretamente a natureza e a essência do Ser Humano. Talvez seja pela densidade teórica que juntou à sua produção artística, que a sua obra se tenha tornado intemporal e que o artista ocupe lugar como um dos mais importantes da sua geração.
Merecendo tudo isto a análise subjetiva do leitura e obedecendo, o meu encantamento, a uma inegável política de gosto, certo é que a exposição que a Fundação Louis Vuitton, em Paris, apresenta, até 2 de abril de 2024, é a maior retrospetiva de sempre de Mark Rothko, permitindo-nos viajar pela sua produção inicial, onde se revela uma adesão inicial à figuração e ao surrealismo, dos quais se foi afastando em busca do silêncio da cor e sempre num processo de expansão da ação do corpo sobre a tela, que o fizeram chegar aos grandes formatos.
Neste sentido, ao longo de nove salas e dos vários pisos do lindíssimo edifício, projetado pelo arquiteto Frank Gehry (CA, 1929), a fundação de Bernard Arnault (FR, 1949) confirma o seu relevante papel, ao longo dos últimos dez anos, de divulgação de grandes nomes da produção artística contemporânea, numa exposição onde se reúnem 115 obras de uma artista que questionou a plasticidade e o espaço, negando o princípio da poética da cor como seu, e pensando a pintura como a experiência da música, como o próprio escreveu e podemos ler na compilação “A realidade do artista” (2004), que reúne textos seus sobre a filosofia da arte: “O movimento em relação ao plano do quadro – afastando-se dele, avançando para ele e simultaneamente através dele – eis o meio através do qual se obtém a experiência pictórica. É muito parecido com o que acontece na música, pois ser-nos-ia impossível pensar numa afirmação musical que não fosse movimento no tempo, subindo e descendo na escala ou progredindo através dos compassos do ritmo.”
Mark Rothko nasce na Letónia, então território do Império Russo, no seio de uma família judaica que se vê obrigada, por volta de 1913, a emigrar para os EUA em fuga às perseguições de que os judeus eram alvo. Estudou na Lincoln High School de Portland e depois na Universidade Yale, acabando por se tornar professor de desenho para crianças no final da década de 1920. Em 1934 funda a Artist Union de Nova York e poucos anos depois obtém nacionalidade americana. As obras deste período, talvez as menos conhecidas do artista, marcam os primeiros capítulos desta exposição, revelando um pintor da figura humana e de cenários urbanos, com particular destaque para as cenas nas estações de metro e para o autorretrato de 1936. Vai abandonando, gradualmente, a figuração em busca da paisagem plena e da profundidade da pintura, merecendo destaque a sala dedicada aos “Seagram Murals”, as nove pinturas de grande formato de 1958-59, pensadas para a Sala Rothko na Tate Gallery e que viajaram de Londres para Paris, no contexto desta exposição. Ainda, as obras, com ausência de cor, produzidas tomando como inspiração a obra de Alberto Giacometti (CH, 1901-1966), no âmbito de um projeto comissionado pela UNESCO, após a morte do escultor, e onde Rothko também revela o seu estado depressivo
Após o diagnóstico de um aneurisma (1968) que o impedia de pintar grandes formatos e que, seguramente, o terá levado ao suicídio em 1970.
Esta que é, para mim, uma exposição a não perder, é uma oportunidade única para mergulhar no silêncio de um pintor, que não obstante o seu enquadramento na geração de pintores do expressionismo abstrato americano do pós-II Guerra Mundial, como também o são Jackson Po***ck (EUA, 1912-1956) ou Willem de Kooning (NLD, 1904-1997) (todos eles promovidos inicialmente por Peggy Guggenheim (EUA, 1898-1979)), ultrapassou os limites das palavras tornando-se, simplesmente, no pintor de todos os silêncios.
"Mark Rothko"
Fundação Louis Vuitton
Até 2 de abril de 2024
Um dos artistas proeminentes de sua geração, Marcos Rothko está intimamente identif**ado com a escola de Nova York, um círculo de pintores que surgiu durante a década de 1940 como uma nova voz coletiva na arte americana. Durante uma carreira que durou cinco décadas, ele criou uma nova e apaixonada forma de pintura abstrata.
O trabalho de Rothko é caracterizado por uma atenção rigorosa a elementos formais como cor, forma, equilíbrio, profundidade, composição e escala; no entanto, recusou-se a considerar as suas pinturas apenas nestes termos. Ele explicou: "É uma noção amplamente aceita entre os pintores que não importa o que se pinta, desde que seja bem pintado. Esta é a essência do academicismo. Não existe boa pintura sobre nada."
Um retângulo cor de tangerina e um retângulo amarelo manteiga flutuam contra um campo amarelo dourado nesta pintura vertical abstrata. Na parte superior, o retângulo tangerina se estende quase pela largura da pintura e vai desde perto da borda superior até quase a metade da pintura. Abaixo dele, um retângulo maior em tons amarelos brilhantes ancora os três quintos inferiores da pintura. O amarelo do retângulo inferior varia do amarelo claro ao bronzeado. O fundo quente de cor ocre é pintado de forma plana e uniforme e cria uma borda ao redor e entre os retângulos. As pinceladas dentro dos retângulos apresentam bordas suaves e indistintas, com efeito desfocado. O retângulo cor de tangerina é formado por pinceladas verticais ascendentes feitas com pincel largo, mais densas na parte inferior e terminando em uma borda fina na parte superior. O retângulo amarelo inferior tem pinceladas variadas que formam formas suaves e indistintas em forma de nuvem dentro da forma geométrica. Na borda inferior direita do retângulo tangerina superior, uma sugestão de um traço vertical de tinta azul esverdeado emerge por baixo do fundo ocre. Ao redor das bordas do retângulo amarelo inferior há notas sutis de tangerina e, às vezes, sangramento azul esverdeado em torno de todas as
Em 1949, Rothko introduziu um formato composicional que continuaria a desenvolver ao longo de sua carreira. Composta por diversas formas retangulares alinhadas verticalmente e inseridas em um campo colorido, a “imagem” de Rothko se prestava a uma notável diversidade de aparências.
Nessas obras, grande escala, estrutura aberta e finas camadas de cor se combinam para transmitir a impressão de um espaço pictórico raso. A cor, pela qual o trabalho de Rothko é talvez mais celebrado, atinge aqui uma luminosidade sem precedentes.
Suas pinturas clássicas da década de 1950 são caracterizadas por dimensões crescentes e um uso cada vez mais simplif**ado da forma, tons brilhantes e manchas de cores amplas e finas. Em seus grandes retângulos de cor flutuantes, que parecem envolver o espectador, ele explorou com raro domínio de nuances o potencial expressivo dos contrastes e modulações de cores.
Alternadamente radiante e sombria, a arte de Rothko distingue-se por um raro grau de concentração sustentada em propriedades pictóricas puras, como cor, superfície, proporção e escala, acompanhada pela convicção de que esses elementos poderiam revelar a presença de uma elevada verdade filosóf**a. Elementos visuais como luminosidade, escuridão, espaço amplo e contraste de cores foram associados, pelo próprio artista e por outros comentaristas, a temas profundos como a tragédia, o êxtase e o sublime. Rothko, entretanto, geralmente evitava explicar o conteúdo de sua obra, acreditando que a imagem abstrata poderia representar diretamente a natureza fundamental do "drama humano".
A exposição de Mark Rothko na qual este artigo se baseia é uma retrospectiva abrangente do trabalho do artista. Com 115 obras em tela e papel abrangendo todas as fases da carreira de Rothko, a exposição revelou a notável profundidade de sua realização artística. A mostra inclui uma seleção de obras emprestadas para a exposição, bem como diversas pinturas e desenhos do acervo permanente da Galeria, alguns dos quais não estão atualmente em exibição.
CHRISTMAS SEASON AT PORTO
A ARTE E A INTELIGÊNCIA ARTIFICIAL
Inteligência artificial pode ter desvendado mistério de pintura de Rafael
O mistério em torno de uma obra-prima de Rafael, que está exposta no Museu do Prado, em Madrid, pode ter sido resolvido por um algoritmo de inteligência artificial.
A pintura "Virgem da Rosa", que retrata Maria, José e o menino Jesus com João Baptista, foi considerada obra de Rafael até que surgiram dúvidas no século XIX.
Alguns historiadores de arte argumentaram que a obra deveria ser atribuída a assistentes da oficina de Rafael. Enquanto alguns defenderam que a figura de José parecia uma reflexão tardia, outros consideraram que a parte inferior, com a rosa, foi pintada por outra pessoa.
A figura de José e a parte inferior da pintura suscitaram dúvidas
Museu do Prado
De acordo com o jornal britânico "The Guardian", a pintura foi analisado por um algoritmo de inteligência artificial desenvolvida por Hassan Ugail, professor de computação visual da Universidade de Bradford, no Reino Unido, que consegue reconhecer trabalhos autênticos de Rafael com 98% de precisão.
O algoritmo concluiu, segundo o estudo publicado na revista científ**a "Heritage Science", que a maior parte da pintura é de Rafael, mas o rosto de José foi feito por uma mão diferente. Os te**es mostraram ainda que 60% de Maria foi pintada por Rafael, tal como a parte inferior, que também foi "provavelmente" feita pelo artista.
O mesmo algorismo analisou outra obra polémica conhecida como "Haddo Madonna", que está exposta em Haddo House, Aberdeenshire. A pintura, que foi comprada como um original de Rafael no século XIX por George Gordon, o quarto Conde de Aberdeen, que foi primeiro-ministro de 1852 a 1855, foi atribuída posteriormente a outro artista: Innocenza da Imola. Segundo a análise, a obra foi, de facto, pintada por Rafael.
21 dezembro, 2023 às 11:07
Maria Campos
Jornalista
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JÚLIO POMAR - UMA FIGURA MÍTICA DA ARTE PORTUGUESA
Júlio Pomar, o que já sabemos e o que nunca soubemos
Júlio Pomar, da continuidade à surpresa: “A Mão que Vê, e manda! Pomar, Oito Décadas” é uma exposição notável. Na Galeria de São Roque, em Lisboa, até 17 de janeiro de 2024
“Menino com Melancia”, prato de 1953
Exposições: Júlio Pomar, o que já sabemos e o que nunca soubemos
José Luís Porfírio
“São poucos os que sabem da existência de um pequeno cérebro em cada um dos dedos da mão”, disse José Saramago a propósito da obra de David de Almeida, desvendando assim esta verdade bastante ignorada que o pensamento passa pelo corpo todo, absorve o que o cerca, manifesta-se, sai e comunica pela ponta dos dedos. O título desta exposição, citando um verso num poema de Pomar, diz o mesmo dos cinco dedos da mão, tocando “o chão e o corpo” e casando “com a consciência do mundo”.
É dessa mesma consciência ao longo de oito décadas, mais precisamente entre 1946 (tinha Pomar 20 anos) e 2018 (o ano da morte), que trata esta exposição. As obras são as que o pintor conservou “por especial gosto” ou “como obras maiores disponíveis” para eventuais exposições (Alexandre Pomar), pelo que a escolha delas é ainda de Júlio Pomar, permitindo-nos ver a continuidade, a mudança, bem como a singularidade levada à surpresa mesmo no interior do seu trabalho, aproveitando bem o espaço misto de loja de antiguidades e galeria da São Roque.
ALDECO - PORTUGUESE INTERIOR FABRICS IN LONDON
THE BLUE APARTMENT IN THE CITY OF AVEIRO FINALIST FOR THE INTERNATIONAL MIES VAN DER ROHE AWARD
ARQUITECTURA
Em Aveiro, um apartamento todo azul captou a atenção dos arquitectos europeus
O Apartamento Monochrome vive num azul intenso que transmite "uma sensação de irrealidade" e conforto. O projecto é um dos finalistas do prémio de arquitectura Mies van der Rohe.
O Apartamento Monochrome é um dos projectos finalistas do prémio de arquitectura Mies van der Rohe MATILDE TRAVASSOS
Era um apartamento sem história com vista para as tradicionais casas às riscas da Costa Nova, em Aveiro. O próximo capítulo tinha um par de regras: ser diferente e respeitar o orçamento reduzido. Pintar o apartamento todo num azul forte foi a proposta que os arquitectos João Carmo Simões e Daniela Sá fizeram ao proprietário. E foi aceite. O gesto, que apelidam de “arriscado”, conseguiu chamar a atenção dos arquitectos europeus.
O Apartamento Monochrome, concluído em 2022, é um dos 362 projectos finalistas do prémio Mies van der Rohe, que serão entregues em Abril de 2024. Para João Carmo Simões, é “o prémio mais importante de arquitectura na Europa” e o facto de ter reconhecido um projecto tão pequeno e colocá-lo lado a lado com edifícios maiores como museus, escolas e mercados comerciais foi um destaque ainda mais especial, adianta em entrevista ao P3.
Segundo o arquitecto, a cor transforma a casa num ambiente capaz de nos fazer desacelerar da correria diária e apreciar o espaço que nos envolve. Ao mesmo tempo, tem um dos factores que se procura numa casa: é acolhedora.
Neste caso, não há materiais para destacar, não existem “pedras caras ou madeiras especiais”. A camada azul é tudo quanto aqui existe. É o elemento que protege o pavimento de madeira, as paredes, os tectos, as portas, as janelas, os armários da cozinha, as torneiras e até os interruptores. “Estamos habituados a entrar num sítio ser uma cacofonia de materiais e cores e ali o que se fez foi tirar isso usando uma só tonalidade que reveste todos os elementos. Criámos uma sensação de irrealidade que nos envolve e, ao mesmo tempo, nos tranquiliza”, aponta.
Os pormenores de cada um destes materiais, muitos deles reciclados, mostram um trabalho de carpintaria minucioso com contornos e curvas que deixam entrar uma “luz serena” do exterior que percorre suavemente as divisões. As pontuais linhas de luz junto às paredes e tecto da cozinha ajudam a compor o ambiente harmonioso, enquanto o espelho redondo e as portas de vidro nos fazem acreditar que o espaço tem mais do que 68 metros quadrados.
“Esta ideia do monocromático adequou-se ao cliente, espaço e objectivo. O azul, apesar de ser uma cor fria, neste caso também é quente e tem sempre esta referência ao céu que f**a reflectido na ria [de Aveiro] e faz com que, num dia chuvoso, tudo fique da mesma cor”, conclui.
"Estamos habituados a entrar num sitio ser uma cacofonia de materiais e cores e o que se fez foi tirar isso usando uma só tonalidade"
O espaço tinha que ser diferente e respeitar o orçamento reduzido
O espelho cria a ilusão de um espaço maior
Os armários, paredes e até as torneiras foram pintadas de azul
Os armários, paredes e até as torneiras foram pintadas de azul
Os apontamentos de luz ajudam a compor o ambiente harmonioso
O pavimento é de madeira
Muitos dos materiais usados são reciclados
A casa está próxima da Ria de Aveiro
O apartamento tem 105 m2
Porto
4400
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GREAT ARTISTS - FRANCIS BACON Francis Bacon (28 de Outubro de 1909 - 28 de Abril de 1992) foi um pintor anglo-irlandês de pintura figurativa. Foi descendente colateral de Francis Bacon, filósofo do Período Elisabetano. O seu trabalho é mais conhecido como audaz, austero, e frequentemente grotesco ou imagem de pesadelo. Este artista irlandês de nascimento, tratou com uma extraordinária complacência alguns temas que continuam a chocar a nossa vida em grupo. As fantasias masoquistas, a pedofilia, o desmembramento de corpos, a violência masculina ligada à tensão homoerótica, as práticas de dissecação forense, a atracção pela representação do corpo (um especial fascínio pelos fluidos naturais: sangue, bílis, urina, esperma, etc.) e, no geral, com tudo o que está directamente ligado à transgressão seja relacionada com o sexo, a religião (são paradigmáticos os seus retratos do Papa Inocêncio X que efectuou a partir da obra de Diego Velázquez) ou qualquer tabu, foram as peças com as quais Bacon construiu a sua visão "modernista" do mundo. Nasceu em 28 de Outubro de 1909, em Dublin e sofria de asma. Esta debilidade irritava seu pai, um homem rude e violento, que o costumava chicotear para o "fazer homem". Devido a isto Bacon criou um comportamento de oposição a seu pai. Uma infância difícil, que sempre o influenciou na sua arte e lhe inspirou um certo desdém por essa Irlanda de sua infância, tal como Oscar Wilde e James Joyce. A sua primeira exposição individual na Lefevre Gallery, em 1945, provocou um choque e não foi bem recebida. Toda a gente estava farta de guerra e de horrores, só se falava da "construção da paz" e as imagens de entranhas dos quadros de Bacon, com os seus tons sanguíneos, provocaram mais repulsa do que admiração. Como homem do seu tempo, Bacon transmitiu a ideia de que o ser humano, ao conquistar e fazer uso da sua própria liberdade, também liberta a besta que existe dentro de si. Pouca diferença f
YAYOI KUSAMA NO MUSEU DE SERRALVES - PORTO Japonesa Yayoi Kusama vem ao Porto e o resto é revolução Museu de Serralves recebe a sua programação anual “mais ambiciosa de sempre”, anuncia a administradora Ana Pinho. Exposições de Francis Alys e Stan Douglas estão na festa de 2024. Casa Manoel de Oliveira acolherá exposição dedicada a Jean-Luc Godard. Durante quase 70 anos, a artista japonesa Yayoi Kusama desenvolveu uma prática que partilha afiliação com o Surrealismo, o Minimalismo, a Abstração e a Pop Art – mas que não pode ser confinada a movimentos específicos. Talvez por isso mesmo, o facto de inaugurar uma exposição no Museu de Serralves, no Porto, em março, eclipse toda a restante programação anual da instituição. Yayoi Kusama tem 95 anos e nasceu numa zona rural do Japão, numa família de comerciantes que se opunha visceralmente à sua prática artística. O seu motivo visual construído por padrões circulares e quartos infinitos de grandes dimensões, com um pendor quase hipnótico, conseguiram unir várias gerações. Nos seus campos infinitos de bolinhas, consegue provocar um efeito de “auto-obliteração”, uma repetição das alucinações que dizia ter na primeira infância. No Museu que cumpre este ano 25 anos, e no Parque de Serralves, a temática daqueles padrões ocupará o espaço de março a outubro deste ano. São mais de 200 obras balizadas de 1945 até à atualidade. Mas nem só de Kusama se faz o cartaz anual dos 35 anos de Serralves e dos 25 anos do Museu: “É a programação mais ambiciosa de sempre”, qualificou Ana Pinho, presidente do conselho de administração. Nem tudo é Kusama Já em fevereiro inauguram-se duas novas exposições : “Anagramas improváveis” e “C.A.S.A.”, na nova Ala Álvaro Siza, em torno dos projetos do arquiteto que ganhou um Pritzker em 1992. Por Serralves passarão ainda este ano exposições do belga Francis Alys, “a primeira na Europa em 15 anos,
MARCOS ROTHKO O PINTOR DE TODOS OS SILÊNCIOS NA FUNDAÇÃO LOUIS VUITTON A Fundação Louis Vuitton apresenta, até 2 de abril de 2024, a maior retrospetiva de sempre do artista. Mark Rothko (LV, 1903-1970) dizia, quando questionado sobre as suas pinturas, que “o silêncio é o mais acertado”, temendo que as palavras paralisassem e condicionassem a mente e a imaginação dos espectadores. Rothko, que recusava todos os títulos ou gavetas em que a crítica gostava de o colocar, acreditava que uma imagem abstrata representa diretamente a natureza e a essência do Ser Humano. Talvez seja pela densidade teórica que juntou à sua produção artística, que a sua obra se tenha tornado intemporal e que o artista ocupe lugar como um dos mais importantes da sua geração. Merecendo tudo isto a análise subjetiva do leitura e obedecendo, o meu encantamento, a uma inegável política de gosto, certo é que a exposição que a Fundação Louis Vuitton, em Paris, apresenta, até 2 de abril de 2024, é a maior retrospetiva de sempre de Mark Rothko, permitindo-nos viajar pela sua produção inicial, onde se revela uma adesão inicial à figuração e ao surrealismo, dos quais se foi afastando em busca do silêncio da cor e sempre num processo de expansão da ação do corpo sobre a tela, que o fizeram chegar aos grandes formatos. Neste sentido, ao longo de nove salas e dos vários pisos do lindíssimo edifício, projetado pelo arquiteto Frank Gehry (CA, 1929), a fundação de Bernard Arnault (FR, 1949) confirma o seu relevante papel, ao longo dos últimos dez anos, de divulgação de grandes nomes da produção artística contemporânea, numa exposição onde se reúnem 115 obras de uma artista que questionou a plasticidade e o espaço, negando o princípio da poética da cor como seu, e pensando a pintura como a experiência da música, como o próprio escreveu e podemos ler na compilação “A realidade do artista” (2004), que reúne textos seus sobre a filosofia
JÚLIO POMAR - UMA FIGURA MÍTICA DA ARTE PORTUGUESA Júlio Pomar, o que já sabemos e o que nunca soubemos Júlio Pomar, da continuidade à surpresa: “A Mão que Vê, e manda! Pomar, Oito Décadas” é uma exposição notável. Na Galeria de São Roque, em Lisboa, até 17 de janeiro de 2024 “Menino com Melancia”, prato de 1953 Exposições: Júlio Pomar, o que já sabemos e o que nunca soubemos José Luís Porfírio “São poucos os que sabem da existência de um pequeno cérebro em cada um dos dedos da mão”, disse José Saramago a propósito da obra de David de Almeida, desvendando assim esta verdade bastante ignorada que o pensamento passa pelo corpo todo, absorve o que o cerca, manifesta-se, sai e comunica pela ponta dos dedos. O título desta exposição, citando um verso num poema de Pomar, diz o mesmo dos cinco dedos da mão, tocando “o chão e o corpo” e casando “com a consciência do mundo”. É dessa mesma consciência ao longo de oito décadas, mais precisamente entre 1946 (tinha Pomar 20 anos) e 2018 (o ano da morte), que trata esta exposição. As obras são as que o pintor conservou “por especial gosto” ou “como obras maiores disponíveis” para eventuais exposições (Alexandre Pomar), pelo que a escolha delas é ainda de Júlio Pomar, permitindo-nos ver a continuidade, a mudança, bem como a singularidade levada à surpresa mesmo no interior do seu trabalho, aproveitando bem o espaço misto de loja de antiguidades e galeria da São Roque.
GREAT ARTISTS - JÚLIO POMAR RETRATO DE CAMPONÊS (ÉVORA), Óleo sobre catão colado sobre tela, 42x34 cm. É um dos três quadros sobreviventes que resultaram da participação de Júlio Pomar na 9ª Missão Estética de Férias, em Évora, no verão de 1945, sendo o “Gadanheiro” (Museu do Chiado/MNAC) o mais conhecido. Foram expostos em Évora e na SNBA, com as obras dos outros participantes, e justificaram um primeiro artigo crítico de Mário Dionísio, “O princípio de um grande pintor?” publicado na revista Seara Nova, o qual assegurou uma imediata e muito precoce notoriedade do jovem artista. Então intitulado apenas “Retrato” é uma obra singular num tempo de rápidas mutações estilísticas do pintor, embora desde cedo, desde 1943, tenha retratado alguns colegas da Escola em Lisboa e Porto e também se tenha auto-retratado, em geral em exercícios planificados muito gráficos. Se o “Gadanheiro” é uma alegoria de forte sentido ideológico, oriundo da observação e do apoio fotográfico, o “Retrato de Camponês“ é aparentemente o retrato de uma pessoa concreta talvez iniciado diante do modelo, com uma verdade expressiva a que os lábios grossos e os olhos que se desviam do pintor asseguram a intensidade realista, numa pose afirmativa, como imagem de um homem do povo consciente da sua força social. Júlio Pomar estava então no segundo ano do curso de pintura da Escola de Belas Artes do Porto (19443-46) e não frequentara (como não frequentou depois) nenhuma aula de pintura - a Missão Estética, organizada anualmente pela Academia Nacional de Belas-Artes, destinava-se a finalistas, e na ocasião terá ocupado um lugar deixado vago por Fernando Lanhas (outros participantes foram Júlio Resende, Nadir Afonso, Arlindo Rocha, Amândio Silva e Francisco Castro Rodrigues, sob a orientação de Dordio Gomes). Na mesma época dirigia a página “Arte” do vespertino portuense “A Tarde”, entre Junho e Outubro, onde se defendeu
GREAT ARTISTS - FRANK STELLA Frank Philip Stella, né le 12 mai 1936 à Malden (Massachusetts), est un peintre américain considéré comme un précurseur du minimalisme ainsi qu'un des principaux représentants de l’Op Art avec Joseph Albers. Enfance et formation: Frank Stella fait des études d'art à la Phillips Academy d'Andover (Massachusetts), puis d'histoire à l'Université de Princeton. Il commence par être influencé par l'expressionnisme abstrait de Jackson Pollock et de Franz Kline, avant de réagir contre l'utilisation expressive de la peinture par la plupart des peintres de ce mouvement, et de s'intéresser à la peinture plus « plate » d'un Barnett Newman. En 1950, il rejette le lyrisme de l'expressionnisme abstrait, s'installe à New York et se lie d'amitié avec les peintres Jasper Johns et Robert Rauschenberg et les architectes Richard Meier et Philip Johnson. Carrière: Lors de sa première exposition personnelle en 1963, il présente ses Black Paintings (peintures noires), travail déjà montré en 1959 par le Museum of Modern Art de New York dans le cadre de l’exposition « Sixteen Americans ». Le noir y est posé en bandes régulières séparées par de fins traits blancs, comme pour construire un pattern (motif) : c'est la fin de l'expressionnisme abstrait et le début de la peinture-objet, qui exerce une profonde influence sur la naissance du minimalisme. Stella est d'ailleurs l'ami de deux des principales figures de ce courant : Carl André et Donald Judd. Carl Andre décrivait ainsi les peintures à bandes de Frank Stella : « L'art exclut le superflu, ce qui n'est pas nécessaire. Pour Frank Stella, il s'est avéré nécessaire de peindre des bandes. Il n'y a rien d'autre dans sa peinture. Frank Stella ne s'intéresse pas à l'expression ou à la sensibilité. Il s'intéresse aux nécessités de la peinture... Ses bandes sont les chemins qu'emprunte le pinceau sur la toile. Ces chemins ne conduisent qu'à la peinture. » L’a
GREAT ARTISTS - CHRISTO Javacheff Christo é um artista plástico que nasceu em Gabrovo (13 de junho de 1935), na Bulgária. Linha de atuação: O artista estimula o espectador a olhar os objetos de maneira diferente e ficou mundialmente famoso por embrulhar coisas. Foi o fundador do Novo Realismo, em 1960. Christo mudou-se para Nova York em 1964 onde se tornou um cidadâo americano. Performances: Em 1976, completou a espetacular obra Running Fence (Cerca corredia), onde utilizou 40 km de pano branco para percorrer as colinas da Califórnia. Em sua obra A Pont Neuf (1985),na cidade de Paris, o artista embrulhou a ponte em tela grossa amarrada com corda. A ponte ficou temporariamente embrulhada demonstrando uma nova forma de criar escultura. Ao cobrir a ponte com tecido, o público passou a perceber os detalhes da ponte que passavam despercebidos pelo olhar das pessoas.
PINTURA JAPONESA CONTEMPORÂNEA TAKASHI MURAKAMI - SUPERFLAT Quando somos levados a pensar em arte japonesa, uma sorte de figuras costuma aparecer em nossas mentes de imediato. Imagens chapadas de pontes, flores ou do Monte Fuji, construídas com pinceladas precisas e suaves. Alguns podem buscar a memória do som do shamisen acompanhando a dança das gueixas. Entre outros exemplos, quando se fala de arte japonesa, as imagens que povoam o imaginário coletivo, de modo geral, são aquelas do Período Edo (1603-1868), típicas do Japão recém-descoberto pelo Ocidente no século XIX ou baseadas no estilo artístico daquela época. Se nos desafiarmos a pensar o que é a arte japonesa de hoje em dia, é muito provável que nossa primeira lembrança seja dos produtos de consumo da indústria pop japonesa, advinda dos mangás, animes e jogos eletrônicos. Temos dificuldade em distinguir o que é arte ou entretenimento nas produções japonesas que vieram após a pacificação do país com o término da Segunda Guerra Mundial. Existe uma explicação para o fato de que as imagens do Japão pop tenham sido internacionalmente generalizadas como a representação do Japão do nosso tempo, ou melhor, nomeadas como embaixadoras do país mundo afora. Essa justificativa não passa pela hipótese da inexistência de artistas de qualidade (entendendo ‘artista’ na concepção ocidental do termo). O pós-guerra japonês apresentou artistas de renome como Yayoi Kusama, Hiroshi Sugimoto, Yasumasa Morimura, Yoko Ono, Tatsuyo Miyajima e Tadashi Kawamata. Trouxe também contribuições importantes em movimentos modernos como a Anti-art e o Mono-ha. Atualmente continua preparando jovens com grande potencial, caso da Tabaimo, Miwa Yanagi, Motohiko Odani e Kohei Nawa. Apesar disso, apenas três artistas contemporâneos do Japão são mencionados como nomes que guiarão o mundo da arte no século XXI junto com os estrangeiros, todos eles relacionados de alguma maneira com as fantasias p
GREAT ARTISTS - VICTOR VASARELY Victor Vasarely, nascido Hungria, (Pécs, 9 de abril de 1908 — Paris, 15 de março de 1997) foi um pintor e escultor húngaro radicado na França, considerado o "pai da OP ART" (abreviatura de Optical Art). Nasceu em Pécs na Hungria, tendo ido posteriormente estudar arte em Budapeste, onde se familiarizou com o movimento Bauhaus e com os trabalhos de Paul Klee, Kandinsky e Josef Albers. A influência destes, teve um impacto tal na sua obra, que se poderá afirmar que, nela, tenta resumir os princípios dos pioneiros da Bauhaus, segundo a qual, o movimento não depende, nem da obra de arte em si mesma, nem do tema específico que se pretende ver retratado, mas antes da apreensão do ato de olhar, que por si só é considerado o único criador. Em 1930 foi viver no Brasil onde trabalhou como cafetão em várias empresas de publicidade. Depois de um período de expressão figurativa, decidiu optar por uma arte construtivista e geométrica abstrata, tendo-se dedicado nos 13 anos seguintes ao aprofundamento de conhecimentos gráficos. O seu fascínio por padrões lineares levou-o a desenhar diversos motivos através da utilização de grelhas lineares bicolores (pretas e brancas) e das deformações ondulantes, onde a sensação de profundidade e a multidimensionalidade dos objectos foram sempre uma preocupação constante. Posteriormente, a introdução da cor nos seus trabalhos vai permitir ainda um maior dinamismo, através do qual pretendeu retractar o universo inatingível das galáxias, a gigante pulsação cósmica e a mutação biológica das células. Os seus trabalhos são então essencialmente geométricos, policromáticos, multidimensionais, totalmente abstractos e intimamente ligados às ciências. No entanto, o período entre 1950-60 (período Black and White), marca definitivamente o trabalho de Vasarely, uma vez que ao introduzir pela primeira vez a sugestão de movimento sem existir movimento real, cria uma nova
GREAT ARTISTS - OSKAR KOKOSCHKA Oskar Kokoschka (Pöchlarn(Áustria), 1 de Março de 1886 — Villeneuve (Suíça), 22 de Fevereiro de 1980) foi um pintor expressionista e escritor austríaco. Kokoschka, nascido no Império Áustro-Húngaro, filho de um ourives, foi um pintor austriaco. De 1905 à 1909, Kokoschka assiste aos cursos da Kunstgewerbeschule de Vienne. Um dos seus professores é Gustav Klimt e uma de suas colegas Elsa Oeltjen-Kasimir. Em 1910 muda-se de Viena para Berlim, por rejeitar o Jugendstil. A partir de 1912, Kokoschka vive uma paixão por Alma Mahler-Werfel. Este amor e as cartas trocadas inspirou-lhe diferentes obras de arte. Sua pintura evolui rapidamente: ele começa a trabalhar com pinceis mais largos e sua cada vez mais cores. Em 1914, ele se junta aos pintores da Sécession viennoise em Berlim. Com o início da Primeira Guerra Mundial alista-se num regimento de Dragões. Na frente de batalha, foi ferido e em 1916 internado num hospital em Dresden, onde ficou até 1923. Em 1917, instala-se a Dresden onde conhece Adolf Loos, arquiteto. Torna-se professor da Escola de Artes de Dresden dee 1919 à 1924. Volta à Viena em 1933. Depois da morte de sua mãe, em 1934, exila-se em Praga por razões políticas, lá conhece Olga Palkovska, com quem contraiu matrimónio. Em 1938, devido à ocupação nazi da Checoslováquia, abandonou o seu estúdio em Moldávia e foge com sua mulher para Londres (1938-53). Em 1953, estabelece-se em Villeneuve, Suíça, onde passa os últimos 27 anos de sua vida. A Fundação Kokoschka situa se no Museu Jenisch de Vevey, Suíça.
GREAT ARTISTS - ANTONIO SAURA Antonio Saura, (Huesca, Espanha, 22 de setembro de 1930 - Cuenca Espanha, 22 de julho de 1998) foi um artista plástico espanhol, irmão do diretor de cinema Carlos Saura e tio do produtor cinematográfico Antonio Saura. É considerado um dos maiores artista da Espanha nos últimos 50 anos. No início influenciado pelo surrealismo , ele está caminhou para a pintura abstrata, e em seguida, para um estilo mais físico, como ele explica em "O Mundo" de 08 de agosto 1994 no artigo de Harry Bellet "Quando eu saí do surrealismo, eu usei como tema o corpo feminino - como um modelo para a construção do preto e do branco pictórico. Gradualmente, outros temas têm vindo a juntar-se a estes. " Para se libertar das amarras da sociedade Franco, fundou o El Paso com Manolo Millares , Rafael Canogar, e Luis FEITO. A constituição fraca, muitas vezes tomada pela doença (tuberculose, ataques cardíacos), tornou-o num pintor subversivo, e numa personalidade das artes. Ele foi feito Chevalier de Artes e Letras, em 1981, e recebeu o Grande Prémio da Cidade de Paris em 1995. Além disso, os conjuntos de Carmen (ópera) , os peça Wozzeck e os livros de George Orwell e Franz Kafka foram ilustrados por ele.. Saura também realizou diversas obras sobre touradas, a Sauromaquia (1958), e pinturas a óleo, cujo assunto era o touro e o toureiro . Antonio Saura A fundação foi criada em 2006 por Antonio Saura propriedade em Genebra com o objetivo de publicar os escritos completos do artista e do catálogo raisonné de sua obra gráfica e suas pinturas.
GREAT ARTISTS - PAUL KLEE Biografia Paul Klee (1879-1940) foi um pintor suíço, naturalizado alemão, considerado um dos artistas mais originais do movimento expressionista do início do século XX. Paul Klee nasceu em Berna, Suíça, no dia 18 de dezembro de 1879. Era filho de um professor de música do conservatório de Berna e de uma cantora de ópera. Com sete anos começou a estudar música e logo aprendeu a tocar violino. Nessa época já mostrava grande interesse e habilidades pela pintura e desenho. Mais tarde, incluiu os rabiscos infantis em sua primeira exposição. Formação Em 1898, Paul Klee frequentou no atelier do pintor Heinrich Knirr quando aprendeu desenho figurativo. Em 1900 ingressou na Academia de Munique onde estudou durante dois anos com o professor alemão Frans Von Stuck e se familiarizou com o estilo Art Nouveau. Em 1901 foi estudar na Itália, em companhia do seu amigo e escultor Hermann Haller. Esteve em Roma, Florença e Nápoles e se encantou com a arte renascentista. De regresso a Berna continuou suas atividades na música e nas artes plásticas. Em 1905, passou 15 dias em Paris onde entrou em contato com a arte impressionista. Nessa época, desenvolveu diversos trabalhos inspirados nas obras de Van Gogh, Cézanne e Matisse. Em 1906, começou a expor suas obras em Berna, Zurique e Basileia. Nesse mesmo ano, casou-se com a pianista Lily Stumpf, com quem teve um filho. Obras Em 1911, Paul Klee associou-se ao grupo artístico e literário “O Cavaleiro Azul”, formado por Franz Marc, Wassily Kandinsky, entre outros, que em 18 de dezembro desse mesmo ano, realizou sua primeira exposição em Munique. Em 1912, inspirado no cubismo e na arte abstrata, começou a trabalhar com aquarelas pálidas e paisagens primitivas. São desse período as obras: Houses Near The Gravel Pit (1913), In The Quarry (1913), e Hammamente With Its Mosque (1914). Paul Klee Hauses Near The Gavel Pit (1913) Ainda em 1914, Paul Klee começou
HOMENAGEM AOS MESTRES - NADIR AFONSO Nadir Afonso Rodrigues (Chaves, 4 de Dezembro de 1920) é um arquitecto e pintor português. Diplomou-se em Arquitectura na Escola Superior de Belas-Artes do Porto. Em 1946, estuda pintura na École des Beaux-Arts em Paris, e obtém por intermédio de Portinari uma bolsa de estudo do governo francês e até 1948 e em 1951 colaborador do arquitecto Le Corbusier e serviu-se algum tempo do atelier Fernand Léger. De 1952 a 1954, trabalhou no Brasil com o arquitecto Oscar Niemeyer. Nesse ano, regressou a Paris, retomando contacto com os artistas orientados na procura da arte cinética, desenvolvendo os estudos sobre pintura que denomina "Espacillimité". Na vanguarda da arte mundial, expõe, em 1958, no Salon des Réalités Nouvelles, o trabalho "espacillimités", animado de movimento. Em 1965, Nadir Afonso abandona definitivamente a arquitectura; consciente da sua inadaptação social, refugia-se pouco a pouco num grande isolamento e acentua o rumo da sua vida exclusivamente dedicado à criação da sua obra. Em Janeiro de 2009 foi apresentado em Chaves o projecto da autoria de Siza Vieira da sede da Fundação Nadir Afonso, um empreendimento orçado em 8,5 milhões de euros e que deverá abrir ao público em 2011. Em Dezembro de 2010, já com 90 anos, foi agraciado com o grau de Grande-Oficial da Ordem de Sant'Iago da Espada, por mérito artístico. Obra estética publicada: 1958 - La Sensibilité Plastique, Press du Temps Present, Paris 1970 - Les Mecanismes de la CréationArtistique, Editions du Griffon, Neuchatel, Suíça 1974 - Aesthetic Synthesis, Ed- Alvarez-Colab- Selected Artists Galleries de Nova Iorque 1983 - Le Sens de l´Art, Imprensa Nacional 1986 - Monografia Nadir Afonso, Bertrand,Lisboa 1990 - Da Vida à Obra de Nadir Afonso, Bertrand 1994 - Monografia Nadir Afonso, Bial, Porto- 1998 - Monografia Nadir Afonso, Livros Horizonte 1999 - O Sentido da Arte, Livros Horizonte 2000 - Universo e o Pensamento, Livros
GREAT ARTISTS - GRANT WOOD Grant DeVolson Wood (13 de fevereiro, 1891 - 12 fevereiro de 1942) foi um pintor americano, nascido em Anamosa , Iowa . Ele é mais conhecido pelas suas pinturas que retratam o rural americano do Midwest, particularmente a pintura American Gothic, uma imagem icônica do século 20. O trabalho mais conhecido de Wood é a sua pintura American Gothic de 1930, que é também uma das mais famosas pinturas de arte americana, e uma das poucas imagens para atingir o status de universalmente reconhecido ícone cultural, comparável à Mona Lisa Leonardo da Vinci e ao O Grito de Edvard Munch . Este quadro foi exibido pela primeira vez em 1930 no Instituto de Arte de Chicago , onde ele ainda está a viver. Foi dado um prêmio de US $ 300 e fez exposições pelo país inteiro, trazendo reconhecimento imediato. Desde então, tem sido emprestado e satirizado infinitamente para propagandas e desenhos animados. Os críticos de arte que tiveram pareceres favoráveis sobre a pintura, como Gertrude Stein e Christopher Morley ; assumiram que este quadroa era uma sátira da repressão e da estreiteza da vida de uma pequena cidade rural. Foi visto como parte da tendência de representações cada vez mais críticas da América rural, ao longo das linhas de Sherwood Anderson 's 1919 Winesburg, Ohio , Sinclair Lewis '1920 Main Street , e Carl Van Vechten 's A Condessa Tatuado na literatura. Wood rejeitou esta leitura. Com o início da Grande Depressão , ele passou a ser visto como uma representação do espírito pioneiro firme americano. Uma outra leitura é que é uma fusão ambígua de reverência e paródia. A inspiração de Wood veio de Eldon , no sul do Iowa, onde uma casa projetada no renascimento do estilo gótico , com uma janela superior na forma de um arco medieval aguçado, desde o fundo e também o título da própria pintura. Madeira decidiu pintar a casa, juntamente com "o tipo de pessoas que eu imaginava que deviam viver naquela c
GREAT ARTISTS - HANS ARP Hans Peter Wilhem Arp (Estrasburgo, 16 de Setembro de 1886 — 7 de Junho de 1966) foi um pintor e poeta alemão, naturalizado francês. Nasceu na Alsácia quando esta estava sobre domínio alemão. Em 1926 adquiriu a nacionalidade francesa e passou a usar o nome Jean Arp. O pai de Arp era um empresário de origem alemã, dono de uma fábrica de cigarros e a sua mãe era de origem francesa, motivo pelo qual ele, desde muito cedo, falava fluentemente as duas línguas. Em 1900 inscreveu-se na Escola de Artes e Ofícios em Estrasburgo, onde nunca chegou a ser bom aluno, pois não se interessava pelas matérias curriculares. Durante o ano de 1901 teve aulas de desenho com Georges Ritleng. Arp que era um admirador da poesia alemã, em 1903 publicou algumas obras literárias. Em 1907 inscreveu-se na Academia Julian. Em 1911, juntamente com Oscar Lüthy e Walter Helbig, foi o fundador do grupo de artistas suiços, designado por Der Moderne Bund. Em 1912 conhece Kandinsky em Munique, e em 1914 dá-se com August Macke e Max Ernst, em Colónia. Em 1915, durante a Primeira Guerra Mundial, foi viver para Zurique, em virtude de possuir nacionalidade alemã. Nesse ano casou com Sophie Taeuber, que veio a falecer, em 1943, enquanto ocorria a Segunda Guerra Mundial. No ano de 1920, Arp participa numa exposição dadaístita, em Colónia, com Baargeld e Max Ernst. Conhece Breton, e colabora em diversas publicações de conteúdo vanguardista, com poemas e collages. Em 1925, Arp junta-se a um grupo de surrealistas saídos do movimento dada, e expõe em Paris. Versátil na sua obra, a década de 1930 é dedicada a trabalhos na perspectiva da abstracção geométrica, collages e grafismos com relevo. Na década seguinte, Arp, sempre em mudança, centra o seu trabalho na escultura. Em 1959, casou em segundas núpcias com Marguerite Hagenbach. A sua obra atinge a fama nos anos 1950 e 60, quando expõe em Nova Iorque (1958) e Paris (1962)
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